Définition du portrait - Quels sont les différents types de portraits ?

Définition du portrait expliquée simplement

Beaucoup se demandent ce qu’est au juste un portrait ? Le portrait dérive du français et est compris comme un portrait ou une photographie d’une personne.

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En savoir plus : Qu’est-ce que le dessin ?

Dans le cadrage d’un portrait, le corps entier, un portrait en buste, la tête ou seulement le visage de la personne est représenté. L’objectif est de mettre l’accent autant que possible sur le visage ou sur les yeux du modèle afin d’exprimer sa personnalité. Une photo d’identité serait un exemple de portrait.

Le portrait a également pour fonction de « représenter » les personnes absentes ou de conserver la mémoire d’un être cher. Au fil de son évolution, le portrait a été perçu de différentes manières.

Comment écrit-on « Portrait » ?

En allemand, « Portrait » s’écrit exactement ainsi : « Portrait ». Il désigne une peinture, un dessin, une photographie ou toute autre représentation artistique d’une personne, où le visage et l’expression du modèle sont généralement au centre de l’attention.

Quels types de portraits existent ?

Ils sont distingués selon la forme de représentation

• Portrait en tête : la tête est représentée avec le cou

• Portrait en buste : représentation des épaules et d’une grande partie du haut du corps, en continuité avec la tête et le cou

• Portrait en poitrine : représentation de la majeure partie du haut du corps avec les bras entiers ou en partie

• Portrait à mi-figure : la personne est représentée jusqu’à la taille

• Portrait aux genoux : la personne est représentée jusqu’aux genoux

• Portrait en pied : représentation de la personne dans son intégralité

Ils sont également distingués selon l’angle de rotation

• Vue de face : le visage est représenté de face

• Demi-profil : le portrait n’est peint qu’à moitié de profil

• Vue de trois-quarts : un côté du visage est entièrement visible, tandis que l’autre est fortement raccourci

• Profil : le visage est représenté tourné à moitié sur le côté

Histoire de l’art du portrait

Dès 500 avant J.-C., l’art du portrait était déjà pratiqué dans la Grèce antique. Au Moyen Âge, l’homme en tant qu’individu s’est effacé derrière la foi. Le style du portrait artistique a donc changé. Par exemple, de petits portraits étaient intégrés à des scènes bibliques afin de représenter le donateur de l’œuvre (le pape ou l’évêque).

Au Moyen Âge, la représentation d’un être humain visait d’abord à l’idéaliser et à lui donner une réalité transcendante. Il était représenté de manière globale, intemporelle, agréable aux yeux de Dieu, et dans une forme dépouillée de tout ce qui était accidentel ou accessoire.

À la fin du Moyen Âge, l’espace pictural s’est enrichi d’informations visuelles telles que le nom ou le monogramme, les armoiries, les ordres et la devise de la personne représentée, ainsi que l’année de création.

Les débuts et les apogées de la peinture de portrait

Les puissants de l’histoire de l’art cherchaient dans les premiers « portraits » à se faire représenter sur des reliefs de pièces, à diffuser leur image et à manifester leur « pouvoir » par des statues. La quête de l’immortalité par la représentation du visage revêtait une grande importance et s’est manifestée dans l’Antiquité par des masques de momies et des peintures de momies.

Au cours des derniers siècles, de nombreux peintres, photographes, sculpteurs et cinéastes ont contribué à créer une grande diversité de représentations. Au Moyen Âge et à la Renaissance, des règles très strictes déterminaient comment une personne devait être représentée selon son rang. Ce n’est que progressivement que ces règles ont évolué et, à partir de la Révolution française, sont devenues de moins en moins pertinentes.

Transformation de la peinture de portrait à la Renaissance

La principale mission de l’art de la Renaissance aux XIVe, XVe et début du XVIe siècle était de transmettre un message à travers la représentation de scènes religieuses, profanes et mythologiques. Les fresques monumentales et les sculptures monumentales étaient les meilleurs supports pour leur diffusion.

La Joconde est le portrait le plus célèbre de la Renaissance italienne, réalisé par Léonard de Vinci à l’âge de 50 ans.

Évolution de la peinture de portrait

La prospérité commerciale des cités-États italiennes et de quelques ports d’Europe du Nord a favorisé la renaissance artistique caractéristique de la Renaissance.

À partir de cette époque, en plus des commandes ecclésiastiques pour des fresques, des statues et d’autres œuvres d’art, les gouvernants et les citoyens fortunés de toute l’Europe sont devenus d’importants mécènes des arts visuels, en particulier du portrait de la Renaissance.

Les portraits de la Proto-Renaissance (XIIIe-XIVe siècles)

L’art byzantin a fortement influencé l’art gothique italien. Celui-ci se caractérisait par un style linéaire et plat, aux compositions saisissantes, notamment dans la représentation de la Passion du Christ. À cette époque, on commence à peindre des visages et des personnages plus arrondis et réalistes.

Quatre principes caractérisent la peinture de la Première Renaissance (v. 1420-1520)

• Une admiration respectueuse pour l’Antiquité grecque

• La croyance en l’humanisme

• La maîtrise de la perspective linéaire

• Le respect de la peinture naturaliste de la forme humaine

La Renaissance nordique (1420-1520)

Son art était pragmatique et ancré dans la réalité. Il reposait également sur deux principes essentiels :

• La découverte de la peinture à l’huile, qui permettait de retravailler le portrait à l’infini et d’atteindre ainsi une précision de détail unique
• La valorisation de la perspective linéaire ainsi que l’ombrage raffiné

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